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Gloria, película de Sebastián Lelio Sebastián Lelio: Gloria (2013)
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Gloria, Oso de Oro a la Mejor Actriz, Paulina García, en el Festival de Berlín 2013 y Premio Cine en Construcción en el Festival de San Sebastián 2012, roza los 60, tiene dos hijos de 31 y 27 que ya no la necesitan y lleva 12 años sin cruzarse con su exmarido. Conduce cada mañana tarareando un sinfín de éxitos musicales románticos e inagotables. Consume el tiempo después del trabajo acudiendo a clases de risoterapia o de yoga y suele acudir a fiestas para gente de su edad porque le encanta bailar. Adivinamos, que seguramente alguna de esas fiestas habrá dado pie a algún que otro encuentro fortuito sin demasiada importancia.
La caza, película de Thomas Vinterberg Thomas Vinterberg: La caza (2012)
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Thomas Vinterberg escribió junto a Lars Von Trier el manifiesto Dogma y dirigió Festen (Celebración) en 1998 siguiendo las reglas del movimiento. Consiguió notable visibilidad dentro del cine europeo tras ganar el Premio Especial del Jurado en Cannes ese mismo año. En Festen se celebraba el sesenta cumpleaños del padre de una familia de la haute bourgeoisie danesa que acababa con la revelación de los abusos sexuales de éste a sus hijos. En La caza Vinterberg se adentra en el cine realista y consigue en 2012 el Premio al Mejor Guión de la Academia de Cine Europea y el Premio al Mejor Intérprete Masculino en Cannes. El trasfondo es el mismo, la perspectiva muy distinta.
Django desencadenado. Tarantino, el southern y el inicio de la abolición de la esclavitud Quentin Tarantino: Django desencadenado (2012)
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Como siempre, la última película de Tarantino despierta en algunos unos irreprimibles deseos de visionarla, y en otros la consabida crítica a la sangre fácil y el frenesí popular. Yo me coloco de entrada, como premisa para los lectores de este comentario, en el primer grupo. Me gusta mucho el cine de Quentin Tarantino. Y desde esta postura me acerco a la película en relación con el universo del director. Porque, y sobre esta cuestión no creo que pueda caber demasiada discusión, Tarantino es poseedor de un universo cinematográfico propio, pese a lo muy manido del calificativo. Lo tiene. Así como un lenguaje narrativo formalmente muy definido y característico sobre el que volveré a lo largo de esta reseña.
Tomboy, película de Céline Sciamma Céline Sciamma: Tomboy (2011)
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Hay películas aparentemente sencillas y ligeras que no lo son en absoluto. Películas que plantean conflictos con una historia simple que no requiere de la grandilocuencia ni de los medios excesivos. Historias banales cuyo denominador común son la delicadeza y la finura. Se apunta, se sugiere y se sigue al personaje empatizando con él. Por nuestras pantallas han desfilado este año unas cuantas dignas de mención. Se me ocurren, por ejemplo, Una vida nueva de Ounie Lecomte (2009), Sólo es el principio de Pierre Barougier y Jean-Pierre Pozzi (2010) – con una sentencia histórica acerca de dónde debe guardarse la nutella – y ahora este Tomboy, de Céline Sciamma (2011), su segundo largometraje, que se adentra en la infancia y la identidad sexual.
No, película de Pablo Larraín Pablo Larraín: No (2012)
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Las presiones internacionales obligan a Pinochet a llamar a un plebiscito el 5 de octubre de 1988 para ratificar su continuación en el poder 8 años más, conforme a lo que establece la Constitución de 1980. Convencido de una ventaja inquebrantable, la campaña del “Sí” se basa en la seguridad y el despegue económico del país, mientras azuza el miedo al socialismo y al supuesto caos que generaría una victoria de la oposición. No, el último e inteligente largometraje de escueto título de Pablo Larraín, trata del proceso de creación de la campaña opositora al Régimen Militar. El director cierra así su trilogía sobre la dictadura chilena después de Tony Manero (2007) y Santiago 73, Post Mortem (2010).
La noche más oscura (Zero Dark Thirty), película de Kathryn Bigelow Kathryn Bigelow: La noche más oscura (2012)
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Zero Dark Thirty (La noche más oscura fue una operación de entrar a matar. Significa, en terminología militar, treinta minutos pasada la medianoche, hora en la que los Navy SEALs asaltaron la casa en la que se refugiaba Osama Bin Laden en Abbottabad, Pakistán, el 2 de mayo de 2011 (hora local). Tras el éxito de En tierra hostil (The Hurt Locker, 2008), que seguía el trabajo de un equipo de élite de artificieros del ejército estadounidense en Bagdad (Irak), Kathryn Bigelow y Mark Boal (directora y guionista, respectivamente, además de productores) se atreven a reconstruir la que fue la caza del hombre más buscado por los servicios de inteligencia desde el 11 de septiembre 2001, día del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York.
César debe morir, película de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani Paolo y Vittorio Taviani: César debe morir (2012)
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Bruto (Salvatore “Zazá” Striano”) se gira hacia sus compañeros, uno a uno, pidiéndoles que le ayuden a morir. La derrota está cerca y tanto él como Casio (Cosimo Rega) prefieren suicidarse antes de ser capturados. La hoja de acero de la espada se hunde en sus carnes y se desploma. Entra Julio César (Giovanni Arcuri) en escena y le tiende la mano para el saludo final ante un público emocionado. Al acabar César debe morir, los guardias devuelven a empujones a los actores a sus celdas. Estamos en la cárcel de máxima seguridad de Rebibbia, en Roma. Se acaba de representar Julio César de William Shakespeare, escrita en 1599.
Amor bajo el espino blanco, película de Zhang Yimou Zhang Yimou: Amor bajo el espino blanco (2012)
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Llega a las salas españolas la última película del cineasta chino Zhang Yimou con una vuelta al cine intimista de Camino a casa (1999), después del éxito del cine acrobático de Hero (2002) y La casa de las dagas voladoras (2004). Amor bajo el espino blanco tiene como marco histórico el periodo de la Revolución Cultural (1966-1976). Corre el año de 1970 y la joven estudiante Jing (Zhou Dongyu), es enviada a reeducarse al campo, como otros miles de jóvenes más, después de que su familia caiga en desgracia al ser encarcelado el padre por derechista.
Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar), película de Philippe Falardeau Philippe Falardeau: Profesor Lazhar (2011)
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Bachir Lazhar (Fellag) es un inmigrante argelino en Montreal (Canadá), tiene 55 años y necesita un trabajo. Tras leer en el periódico local que una maestra de primaria se ha ahorcado en el aula en la que impartía clase a niños de 7 años, se presenta ipso facto en la escuela como sustituto. La directora, ante la difícil tarea de encontrar a alguien adecuado en medio del curso escolar, accede a contratarlo sin indagar demasiado sobre el personaje. Basada en una obra de teatro de Evelyne de la Chenelière, Monsieur Lazhar - Profesor Lazhar - no pretende aportar respuestas sino plantear preguntas que pueden ayudarnos a aprehender la sociedad moderna.
Kiseki (Milagro), película de Hirokazu Kore-Eda Hirokazu Kore-Eda: Kiseki (2011)
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Se acaba de estrenar Kiseki (Milagro), del muy premiado cineasta japonés Hirokazu Kore-Eda - Nadie Sabe (2004), Still Walking (2008), Air Doll (2009), por nombrar algunas de sus últimas películas -, una fábula protagonizada por niños, en la que los adultos están relegados a un segundo plano. Sensible y tierna, Kiseki es un paso en el aprendizaje hacia la edad adulta.
Tyrannosaur (Redención), película de Paddy Cosidine Paddy Cosidine: Tyrannosaur (Redención) (2011)
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Joseph (Peter Mullan), viudo, alcóholico y perdido, está lleno de rabia e ira. Hannah (Olivia Colman) trabaja en una tienda de caridad en un suburbio. Incapaz de ayudarse a sí misma, se centra devotamente en intentar ayudar a los demás. Un día, Joseph se refugia en la tienda tras una pelea, propiciando un primer encuentro violento. No será el único, ya que al día siguiente, sobrio, decide ir a disculparse. Pronto descubrirá que la vida de ella no es tan plácida como aparenta. (Redención), primer largometraje de Paddy Cosidine, es una película feroz, una historia de amor atípica, de una negrura sin concesiones enmarcada en el cine realista británico.
Shame, película de Steve McQueen Steve McQueen: Shame (2011)
Cine y otras artes
Shame, segunda película de Steve McQueen, comienza con un primer plano largo sobre el protagonista, lívido, tumbado en la cama entre sábanas azules. Se levanta, desnudo. Se masturba en la ducha. Desayuna y sale para ir a trabajar. Nueva York. Invierno. En el metro, Brandon Sullivan (Michael Fassbender) sigue con el rostro pálido e inanimado hasta que sus ojos se fijan en una mujer joven. La escena es extremadamente precisa: el cruce furtivo de miradas y los rasgos de él, animándose. Ella, incómoda. Él se equivoca.
Aquí, Smiley: El topo de Tomas Alfredson Tormas Alfredson: El topo (2011)
Cine y otras artes
Sammy Davis Jr. cantaba al Second Best Secret Agent in the Whole Wide World, o el segundo top para un podio planetario de agentes secretos. El film de Alfredson recupera la iconografía del espionaje para una estupenda versión del inolvidable relato de Le Carré y aquel tipo que jamás reclamó el primer puesto, George Smiley. Y les habíamos echado tanto de menos.
Vivir (y morir) en bermudas: Los descendientes, de Alex Payne Alex Payne: Los descendientes (2011)
Cine y otras artes
Con Los descendientes (Alex Payne, 2011) el cine estadounidense licencia a un alumno aventajado y, entretanto, reformula el clásico relato familiar a partir de un humor hidráulico, última esperanza en temporada de naufragios. Aloha, robinsones.
El Havre (Le Havre</i >), película de Aki Kaurismäki Aki Kaurismäki: Le Havre</i > (2011)
Cine y otras artes
El universo de Aki Kaurismäki es muy particular, sus películas parecen pertenecer a otra era, tal vez la del vinilo, o quizá sean simplemente atemporales, pero son, sin duda, un desafío al paso de la modernidad entendida como era digital, y están llenas de humor negro e ironía, como Le Havre.
El cine útil: Las películas de 2011 Nicolas Winding Refn: Drive (2011)
Cine y otras artes
Selección fundamental de un año indiscutiblemente memorable en lo fílmico. Qué ver, una guía.
The Artist, película de Michel Hazanavicious Michel Hazanavicious: The Artist (2011)
Cine y otras artes
Con The Artist volvemos al cine mudo en blanco y negro de los años veinte, la forma más básica y sensorial, una mirada atrás llena de nostalgia y ternura, un tributo al cine de la mano de un casi completo desconocido en la gran pantalla, el francés Michel Hazanavicious. El riesgo era grande, sin embargo esta pequeña joya está funcionando bien en taquilla y festivales.
Boardwalk Empire (Terence Winter, 2010): whisky y ambición Terence Winter: Boardwalk Empire (HBO, 2010-)
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Boardwalk Empire es ambiciosa. En forma y en contenido. Una serie-tratado sobre la ambición no sólo en lo que relata, sino también en cómo lo cuenta: su impecable producción incluye 225 actores principales, 300 técnicos y 1.000 extras. Y su piloto, dirigido por Martin Scorsese, costó más de 18 millones de dólares. Ambición, sin duda. Para qué ocultarlo. La HBO hace tiempo que se sabe dueña de la televisión pese a los embates de la AMC o Showtime. Y qué mejor tiempo y espacio para reflejar la codicia y el anhelo que los dorados años veinte en Estados Unidos, durante la Ley Seca y en pleno auge de la Mafia. Porque, si hubo algún tiempo en el que la ambición marcó el devenir de una sociedad, fue aquél.
Bas As Me, CD de Tom Waits Tom Waits: Bas As Me (2011)
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El último disco de Tom Waits, Bas As Me, es un buen resumen de todos los ingredientes que siempre componen cada una de sus creaciones: rocks enojados, blues bizarros y baladas poéticas y melódicas, el conjunto con mucho ritmo y potencia. Sin olvidar su voz… cada vez más ronca.
Los nombres del árbol. Apuntes en torno a El árbol de la vida, de Terrence Malick Terrence Malick: El árbol de la vida (2011)
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El árbol de la vida (The Tree of Life, Terrence Malick, 2011) es, en primer y último término, una película inusual. En consecuencia, además, necesaria. No es tanto -ya lo hacen otros- una nueva reformulación narrativa, un (meta)relato aspirante, como –a este lado- el cuestionamiento de la aproximación crítica al uso. La toma de un singular plano metafísico en la era PanasonicVirginStarbucks.
Somewhere, película de Sofía Coppola Sofia Coppola: Somewhere (2010)
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Somewhere, la cuarta y hasta el momento última película de Sofia Coppola, no arriesga. Apuesta sobre seguro. Lo cual se convierte, en su caso, en un acierto. Estrenada en las pantallas con un año de retraso tras su conseguir el León de Oro a la Mejor película en el 67º Festival de Venecia –donde venció a la perturbadora y superior Black Swan (Cisne negro)–, la película mantiene el mismo tono estético-narrativo que Coppola ha venido desarrollando en sus anteriores films, empeñada en aportar una voz propia a su discurso fílmico. Algo que consigue repitiendo una misma fórmula desde diversos puntos de vista. Porque la directora neoyorquina se encuentra cómoda con un tipo de historias que ya comienzan a convertirse en “marca de la casa”: historias en las que temas como la incomunicación, el aislamiento, la soledad y el vacío existencial se ofrecen envueltos en una estética preciosista y casi pictórica. Para algunos, cursi y “moderna”; para otros, indudablemente personal.
Another Year, película de Mike Leigh Mike Leigh: Another year (2010)
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La clarividencia del cineasta británico Mike Leigh retratando la clase media-baja es asombrosa. Durante toda su obra -Secrets and Lies (1996), Vera Drake (2004), Happy-go-lucky (2008), entre otras-, este director se ha esforzado en ponernos ante el espejo para construir un mapa preciso de la geografía humana. Y aquí está Another year, cumpliendo una vez más todas las expectativas. De una riqueza espléndida, la película fluye alrededor de la vida de dos sexagenarios, Tom (Jim Broadbent) y Gerri (Ruth Sheen), y de sus amigos en cuatro capítulos acunados por las estaciones del año.
El árbol de la vida (The Tree of Life), película de Terrence Malick Terrence Malick: El árbol de la vida (2011)
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Terrence Malick no es muy prolífico, pero sus obras, escasas, despiertan mucho interés. Y aquí está la última - la quinta -, El árbol de la vida (The Tree of Life) avalada por la Palma de Oro del Festival de Cannes 2011, en la que este inclasificable director compone una oración poética, un llanto intenso y lleno de sensibilidad que, sin embargo, se le escapa de entre los dedos en los pasajes más lisérgicos. Y aún con estas fisuras, merece sin duda la pena dejarse llevar por la riqueza de su complejidad y experimentar las emociones, también visuales y auditivas, siendo comprensivos con la evaluación de los pasos que le han llevado a crear esta obra titánica.
Studio 60 de Aaron Sorkin. Sobre televisión Aaron Sorkin: Studio 60 on the Sunset Strip (Aaron Sorkin, NBC, 2006-2007)
Cine y otras artes
Sincero tributo al medio televisivo, Studio 60 on the Sunset Strip (NBC, 2006-2007), derribada en el vado comercial tras una temporada, exprime la ternura de su creador Aaron Sorkin (La red social, Algunos hombres buenos) hacia el legado histórico de la pantalla doméstica estadounidense. Series que recuperan cierta dimensión del televisor predigital, familiar: uno invitaría a lo que fuese y sin dudarlo a buena porción del reparto. Aquel lugar donde todos saben tu nombre, resumió sabiamente Cheers.

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